Начну из далека. Любая пьеса (помимо духовных и материальных претензий автора) передает зрителю информацию. Действием, мимикой, интонациями, эффектами, подтекстами и надтекстами (имею в виду уточнение семантики. Как прилагательные к существительному, причастия, деепричастия и т.д. в грамматике предложения. В отличие от подтекста, который невозможно "подчеркнуть", надтекст легко "подчеркивается" - он - интонация, акцент автора). Однако существует еще один способ передачи информации, "не охваченный" классическими реальными пьесами.
Поясню сравнением.
Есть два способа читать стихи. Первый, естественный, называется "с выражением". Актерское мастерство - мастерство чтеца - закладывает в слушателя (!) не только авторские мысли, но и свои собственные. Хорошо ли, плохо ли это, но эти собственные мысли чтеца невольно "искажают" оригинал. Второй способ, академический, предполагает без интонационное озвучивание. Но и здесь чтец размеривает ритм, слоги. Этот способ кажется более честным по отношению к автору, но это не так. Как читаем стихи мы про себя, не произнося их вслух? Как слышим от чтецов? Нет. Если нас захватывает дух произведения, мы летим, впиваемся, задыхаемся, но НЕ ДЕКЛАМИРУЕМ. Не проговариваем.
Трудно точно сказать, как это происходит. Вроде бы слова считываются, но не читаются, не "обрабатываются". Как это проверить - очень просто. Засеките время "чтения про себя" и "чтения вслух". Обратите внимание, что "читая про себя" мы не частим и не торопимся. Все совершается в нашем "родном" темпе.
Тот, кто имел дело с техникой записи любой информации - будь то на носители на жестких дисках или на компакт диски, - прекрасно знают, что скорость чтения выше скорости записи, т.к. последнее действие требует "сил" систематизирования - обработки.
Вот, видимо, и мы - читаем по разному - с обработкой (размышлениями) и без. А когда мы думаем (обрабатываем) - когда читаем или когда говорим? Когда знакомимся.
А знакомство - это вызов своих ассоциаций, своих переживаний, своих чувств. Как бы раскладываем по полочкам. Этим пользуются авторы драматизируя ситуации, нарочито педалируя вызов сильных эмоций и стандартных образов. Но здесь же и кроется тупик, вернее, ограничение. Слишком яркие краски затмевают прочие оттенки. Упрощают (уплощают) смысл произведения. А автора заставляют метаться между пиками гор и пропастями, обходя равнины. Снова ограничение, - уже средств воздействия.
Отсюда и появляется идея "выравнять" средства воздействия, чтобы замедлить "чтение" и включить режим "записи".
Что нам мешает. Во-первых, - образность персонажей. Как только появляется образ, мы отстраняемся - "это он (она), а не я". Во-вторых, - действие, сюжет. А что будет дальше?
Для многих авторов первое и второе вместе, - это вообще всё. И больше ничего нет. Ни подтекстов, ни надтекстов.
Классики богаче. Они зачастую используют незамысловатые (серые) сюжеты, которые не только предсказуемы, а просто известны (как таблица умножения), и надтексты строят на образах и описаниях. Глядь, к концу произведения в голове читателя (зрителя) уже рождается и мораль - вот он, подтекст! Конечно, будь классиков побольше... И живи они сейчас... А как быть другим, "менее" даровитым? Увы одно - идти новыми путями.
Так что же нам остаётся?
Первое. Замаскировать сюжет. Остановить действие. На сценах оно и так - не бодрое. Чего проще. Обычное решение - дать монологи или диалоги.
Второе. Если обходиться без образов персонажей, то о чем говорят персонажи? О том, что заставляет думать. Набрасывать мысли. Заставлять задумываться. Поскольку думать много - тяжело, нужно, как обычно, отвлекать "развлекаловками".
Это - "стратегии". А что "тактика"?
Раз нужно заставить задуматься, нужно тему вынести в заглавие. Тему или ответ. Предупредить зрителя. Два - обойтись без образов - включить стиль обсуждения, как бы, говорят все. Три - надеяться на талант режиссера, который сможет превратить всю эту ахинею в спектакль.
Сначала я думал, что особых требований к актерам в таких пьесах - нет. Может сыграть всякий. Потом стал склоняться к тому, что актер - это обязательный "персонаж" пьесы, причем, чем "характерней", тем лучше. Смотреть и читать - не одно и то же. Возможно на этом и следует строить режиссуру.
Зачем вообще нужны виртуальные пьесы, если достаточно реальных? Вернемся в начало - вспомним про скорость чтения и размышления. Реальные пьесы не могут заставить зрителя думать, только "сопереживать". Слабая попытка заставить зрителя думать - ставить детективные произведения, но это - ограниченное направление для размышления - "кто украл/убил" и зачем.
В прозе много проще. Там есть время. Оно разрешает отложить книгу, а потом вернуться к ней снова. Никто не сидит рядом и не кашляет. В прозе можно полететь на марс, цитировать библию, пускаться в рассуждения от первого или любого лица. Музыка поможет погрузиться в транс, но что там искать? Всё уже найдено и понято. К чему не хочется возвращаться - не к тому обратиться не заставить.
Виртуальная пьеса - она как бы посередине - и не музыка - и не действо. В транс не отправит - "мешают" разговоры, расслабиться не получится - по той же причине. А вот получиться ли вообще что-либо - это зависит от таланта всех - и автора, и режиссера, и актеров.
В заключение следует отметить, что данное "теоретическое обоснование" родилось не "до", а "много после" рождения самих пьес. Как грамматика языка появилась позднее самого языка.